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Miguel Ángel por Daniele da Volterra

Miguel Ángel por Daniele da Volterra


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Daniele da Volterra

Daniele Ricciarelli (italiano & # 160 pronunciación: & # 160 [daˈnjɛːle & # 160ritt͡ʃaˈrɛlli] c. 1509 & # 160– 4 de abril de 1566), más conocido como Daniele da Volterra ([volˈtɛrra]), fue un pintor y escultor italiano manierista.

Se le recuerda mejor por su asociación, para bien o para mal, con el difunto Miguel Ángel. Varias de las obras más importantes de Daniele se basaron en diseños realizados con ese fin por Miguel Ángel. Después de la muerte de Miguel Ángel, Daniele fue contratado para cubrir los genitales en su Juicio Final con vestimentas y taparrabos. Esto le valió el apodo de & quotIl Braghettone & quot (& quot; el fabricante de calzones & quot).

Daniele Ricciarelli nació en Volterra (en la actual Toscana). De niño, inicialmente estudió con los artistas sieneses Il Sodoma y Baldassare Peruzzi, pero no fue bien recibido y los abandonó. Parece haber acompañado a este último a Roma en 1535 y ayudó a pintar los frescos en el Palazzo Massimo alle Colonne. Luego se convirtió en aprendiz de Perin del Vaga.

De 1538 a 1541 ayudó a Perin con la pintura de frescos en la villa del cardenal Trivuzio en Salone, en la capilla Massimi en Trinit & # 224 dei Monti, y en la capilla de la crucifixión en San Marcello al Corso. Se le encargó la pintura de un friso en el salón principal del Palazzo Massimo alle Colonne, con la vida de Fabius Maximus.

En Rotman también comenzó a trabajar en el círculo de Miguel Ángel y se hizo amigo de él. Miguel Ángel usó su influencia con el Papa Pablo III para asegurar las comisiones de Daniele y el puesto de superintendente de las obras del Vaticano, cargo que mantuvo hasta la muerte del Papa. Miguel Ángel también le proporcionó bocetos en los que Daniele basó algunas de sus pinturas, especialmente su serie de frescos en la capilla Orsini del Trinity College, encargo por el que Daniele había recibido en diciembre de 1541.

Posteriormente, Pablo III le encargó a Daniele completar la decoración de la Sala Regia. A la muerte del Papa en 1549 perdió su puesto de superintendente y la pensión a la que tenía derecho. Luego se dedicó principalmente a la escultura.

Murió en Roma en 1566. Según el testamento de Daniele, la rodilla de mármol de la pierna izquierda faltante del Cristo de la Deposición de Miguel Ángel estaba en su poder en el momento de su muerte. Entre sus alumnos estaba Giulio Mazzoni de Piacenza.

La pintura más conocida de Daniele es el Descenso de la Cruz en el Trinit & # 224 dei Monti (alrededor de 1545), después de los dibujos de Miguel Ángel por un exceso de elogios, esta obra se agrupó en un momento con la Transfiguración de Rafael y la Última Comunión. de San Jerónimo de Domenichino como los cuadros más famosos de Roma. La pintura de dos caras de Daniele de David matando a Goliat (restaurada en 2008) en el Louvre también parece haberse basado en los diseños de Miguel Ángel durante mucho tiempo y se le atribuyó.

Otras obras notables incluyen la Masacre de los inocentes (1557) en la Galería de los Uffizi, Florencia, un retrato que hizo de Miguel Ángel y un busto que hizo con la máscara mortuoria de Miguel Ángel.

Una escultura conocida es la Cleopatra en el Belvedere. Desde Francia, Daniele recibió el encargo de hacer una estatua ecuestre de bronce de Enrique II, pero terminó solo el caballo que luego se usó para una estatua de Luis XIII en la Place Royale y se derritió durante la Revolución Francesa.

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¿Quién fue Miguel Ángel?

Michelangelo Buonarotti, pintor, escultor, arquitecto y poeta del Renacimiento italiano, fue llamado "Il Divino" (El Divino) por sus contemporáneos porque percibían que sus obras de arte eran de otro mundo. Su arte tenía una gran demanda y se pensaba que tenía terribilità, mal traducido como “terrible” y mejor descrito como poder. Fue mitificado por seguidores, emulado por artistas, celebrado por humanistas y patrocinado por un total de nueve papas. Como conmemoraciones, se crearon más de cien retratos de él solo durante el siglo XVI, mucho más que cualquier otro artista en ese momento. A pesar de tres biografías escritas sobre el artista durante su propia vida, sabemos más sobre el perfeccionista a veces generoso y a menudo humorístico a través de sus cartas. No solo tenemos más fuentes primarias sobre Miguel Ángel que cualquier otro artista histórico, es uno de los artistas sobre los que más se escribe de todos los tiempos. En términos de hoy, Miguel Ángel era un hogareño adicto al trabajo cuyos gatos lo extrañaban cuando estaba fuera. No le gustaba debatir sobre arte, perder el tiempo o mostrar su trabajo antes de estar listo. A pesar de algunas colaboraciones a mitad de su carrera, Miguel Ángel fue cuidadoso y cauteloso, nunca dirigió un taller típico, cerró su estudio y quemó dibujos. También se quejaba mucho y, a veces, podía mostrarse demasiado confiado, brusco y directo, lo que en una ocasión resultaba en un puñetazo en la nariz.

Mejor tarde que nunca

Aunque se convirtió en una superestrella artística, el comienzo de Miguel Ángel fue diferente al de la mayoría de los artistas de su tiempo. Su éxito inicial puede atribuirse a las conexiones de su familia con la poderosa y noble familia florentina, los Medici. A principios de la década de 1490, aprendió a tallar bajo la tutela de un alumno de Donatello, Bertoldo di Giovanni, en el jardín de esculturas de los Medici. Al ingresar al taller del pintor Domenico Ghirlandaio, Miguel Ángel comenzó su formación profesional oficial a la edad de trece años, varios años más tarde de lo habitual (y a diferencia de los aprendices típicos que tenían que pagar para estudiar con un maestro, Miguel Ángel cobraba, tal vez por su las relaciones familiares con los Medici o su talento innato). Sin embargo, en su lugar, deseaba esculpir, afirmando que bebía de su amor por la talla de piedra de su nodriza, que provenía de una familia de sencillos canteros pastorales. [1] Para enfatizar este aspecto de sí mismo durante las primeras décadas de su carrera, firmó sus cartas “Escultor de Miguel Ángel”. También fue importante para sus años de formación la disección de cadáveres para aprender anatomía. Las condiciones desafiantes, después de horas a la luz de las velas y sin refrigeración, solo llamaron a los artistas más dedicados.

Miguel Ángel Piedad, mármol, 1498-1500 (Basílica de San Pedro, Roma. Foto: Stanislav Traykov, CC BY 2.5)

A los veintitrés años, Miguel Ángel aceptó su primer proyecto público a gran escala: esculpir dos figuras a escala real en una pieza de piedra, una tarea muy difícil. San Pedro Piedad, encargado para la tumba del cardenal Bilhères de Lagraulas, inició su ascenso a la fama. La presión estaba en aumento: el contrato establecía que la escultura sería la obra más hermosa de Roma. Después de seis meses en las canteras para encontrar el mármol perfecto, Miguel Ángel comenzó a tallar el Piedad. Cuando la escultura se exhibió en la Basílica de San Pedro (antes de la reconstrucción iniciada por el Papa Julio II), los peregrinos cuestionaron quién había hecho una obra tan hermosa. Según cuenta la historia, el escultor escuchó a un grupo atribuir incorrectamente el trabajo a otro escultor. Miguel Ángel regresó a hurtadillas esa noche con una linterna, un martillo y un cincel para grabar su nombre en la faja de la Virgen. Es el único trabajo que firmó, y luego lamentó este acto de excesivo orgullo.

Ya famoso

Miguel Ángel David, mármol, 1501-04 (Galleria dell’Accademia, Florencia)

Poco después, Miguel Ángel recibió un importante encargo en Florencia. Una figura de David se deseaba en lo alto de un contrafuerte exterior del Duomo. Se le encomendó la tarea de reutilizar una pieza de mármol de casi seis metros de altura, apodada "El gigante blanco", que otro artista había intentado tallar cuarenta años antes, pero no pudo tallar. Miguel Ángel aceptó el desafío y completó la colosal estatua en dos años. Al final, la escultura se colocó fuera del Palazzo Signoria.

El éxito de David condujo a una comisión cívica a gran escala dentro del palazzo para pintar una escena de batalla para el gobierno florentino, el Batalla de Cascina. Este arreglo lo colocó en competencia directa con Leonardo, que ya estaba trabajando en el Batalla de Anghiari en la pared opuesta. Si bien ninguna de las pinturas se terminó, las copias de ambas sobreviven. La caricatura de Miguel Ángel (un dibujo preparatorio a gran escala para el fresco), sirvió como una especie de escuela de arte para los artistas más jóvenes que vinieron a copiar sus figuras. Sus dibujos de este período son algunas de sus figuras más magníficamente representadas, con un distintivo rayado cruzado. claroscuro técnica. Disegno, o el dibujo, se consideraba tanto una actividad manual como un esfuerzo intelectual y era la parte más importante de su práctica. Dibujar a partir del desnudo masculino fue fundamental para su creación artística.

Miguel Ángel, Techo de la Capilla Sixtina (detalle), 1508-12 (Vaticano, Roma)

En su próximo gran proyecto de frescos, el techo de la Capilla Sixtina encargado por el Papa Julio II, la narración principal representa nueve historias del Libro del Génesis, como la Creación de Adán. Las figuras voluminosas y musculosas de Miguel Ángel se inspiraron en los antiguos Laocoonte, que presenció ser desenterrado en Roma en 1506. El estudio de la sibila libia es un dibujo preparatorio exquisito de esta época, que revela su uso de un modelo masculino para una figura femenina.

Miguel Ángel Buonarroti, Estudios para la Sibila Libia (anverso), c. 1510-11, tiza roja, con pequeños detalles de tiza blanca en el hombro izquierdo de la figura del estudio principal, 28,9 × 21,4 cm (Museo Metropolitano de Arte)

Miguel Ángel comenzó a pintar el techo con el método tradicional de usar dibujos animados para transferir el diseño al yeso húmedo, pero se volvió tan competente hacia el final que trabajó a mano alzada. También afirmó trabajar sin asistentes (a pesar de la evidencia de lo contrario) y prefirió mantener su trabajo en privado hasta que terminó. Una historia relata que arrojó tablas al Papa Julio II desde el andamio, ¡confundiéndolo con un espía! [2]

Miguel Ángel, AB XIII, 111 Soneto y autorretrato, 1509/1512 (Casa Buonarotti, Florencia)

Miguel Ángel tardó más de cuatro años en pintar el techo. Inicialmente, no quería el encargo, alegando que la pintura no era su arte. Escribió un poema satírico sobre su lucha personal junto con una caricatura de sí mismo de pie para pintar: "Con mi barba hacia el cielo & # 8230 estoy inclinado como un arco sirio & # 8230". [3]

Miguel Ángel Creación de Adán, techo de la Capilla Sixtina (detalle), 1508-12, Vaticano, Roma

Carrera media, pero no en la mitad del paquete

Miguel Ángel fue llamado inicialmente a Roma en 1505 para esculpir la tumba de Julio II destinada al centro de la Nueva Basílica de San Pedro, que pronto estará en construcción. Si se hubiera realizado por completo, el monumento habría contenido más de cuarenta figuras de tamaño natural, imposibles de terminar para Miguel Ángel. El monumento fue finalmente erigido, en forma reducida en 1545, como una tumba mural en S. Pietro in Vincoli en Roma.

Miguel Ángel Buonarroti, Moisés, 1513-15, mármol de Carrara, 254 cm (8 pies, 3 pulgadas) de alto, Tumba del Papa Julio II (della Rovere), 1505-1545, San Pietro in Vincoli, Roma (foto: Jörg Bittner Unna, CC BY 3.0)

El monumental Moisés, destinado a una esquina superior, ahora se presenta como la figura principal. Dos series de figuras nunca se colocaron en el arreglo final: dos "esclavos" atados en el Museo del Louvre en París y cuatro "cautivos" en lucha en el Museo de la Academia en Florencia. los Cautivos, probablemente talladas en la década de 1520, son voluminosas, parecidas a bloques y rugosas, donde se pueden ver las marcas de trama cruzada del artista hechas con el gradina, un cincel de varios dientes. Su herramienta preferida, la caña, un cincel de dientes de perro, dejó líneas de surcos distintos en la superficie del mármol. Debido a la rugosidad, estas y otras esculturas han sido etiquetadas no finito, o inconcluso, un tema muy debatido en la erudición.

De izquierda a derecha: Miguel Ángel, Esclavos (comúnmente conocido como el Morir esclavo y el Esclavo rebelde), 1513-15, mármol, 2,09 m de altura (Musée du Louvre, París, foto: Steven Zucker, CC BY-NC-SA 2.0) Cautivos (comúnmente conocido como el Atlas cautivo y el Cautivo barbudo), C. 1530-1534, mármol, 2,77 my 2,63 m de altura (Galleria dell’Accademia, Florencia, foto: Steven Zucker, CC BY-NC-SA 2.0)

Miguel Ángel viajó de ida y vuelta desde Roma y Florencia a finales de los años 1510 y 20. En Florencia, trabajó para el sucesor de Julio, el Papa León X de 'Medici, en la fachada de la iglesia de la familia, San Lorenzo, que nunca se completó. Sin embargo, fue aquí donde perfeccionó sus habilidades empresariales, dirigiendo a cientos de trabajadores bajo su dirección. Miguel Ángel continuó trabajando como Medici bajo el Papa Clemente VII, diseñando la Biblioteca Laurentiana y la Nueva Sacristía.

Miguel Ángel, Tumba de Giuliano de & # 8217 Medici, 1526-33, mármol, 630 x 420 cm (Nueva Sacristía, San Lorenzo, Florencia) (foto: Steven Zucker, CC BY-NC-SA 2.0)

En 1527, durante un período de agitación política, la República de Florencia recuperó el control de los Medici. Dos años más tarde, la ciudad fue sitiada por las tropas del Sacro Imperio Romano Germánico y los Medici fueron reinstalados. A pesar de sus vínculos de larga data con la familia, Miguel Ángel, un republicano de corazón, dejó Florencia para siempre en 1534.

Miguel Ángel Juicio final, Capilla Sixtina, muro del altar, fresco, 1534-1541 (Ciudad del Vaticano, Roma) (foto: Richard Mortel, CC BY 2.0)

Tarde en la vida en la Ciudad Eterna

Miguel Ángel & # 8217s segundo fresco en la Capilla Sixtina en Roma, el Juicio final, fue un encargo del Papa Pablo III y fue pintado entre 1535 y 1541. También funcionó como una herramienta de estudio para los artistas. Giorgio Vasari, el artista y biógrafo del siglo XVI, afirmó que los artistas ya no necesitaban estudiar modelos vivos de la naturaleza, ya que cada posición humana concebible estaba representada en el fresco de Miguel Ángel. Para lograr esto, Miguel Ángel colocó pequeños modelos de cera para ayudar a desarrollar la composición compleja a gran escala. La confianza en las figuras retorcidas de Miguel Ángel por artistas posteriores resultó en una sensación de artificialidad, una característica apreciada del manierismo. El artista estaba desarrollando constantemente nuevas prácticas laborales. Por ejemplo, para ampliar las horas de trabajo, Miguel Ángel hizo un faro con una vela de cera especial para poder pintar hasta altas horas de la noche, olvidándose a menudo de comer. Sin embargo, los días largos resultaron peligrosos y se cayó del andamio y estuvo a punto de romperse la pierna.

Izquierda: Miguel Ángel, Plaza y palacios de la Colina Capitolina, Roma, 1536-1546 (foto: Lawrence OP, CC BY-NC-ND 2.0) Derecha: Miguel Ángel, Cúpula de la Basílica de San Pedro, Ciudad del Vaticano, Roma, 1546-1564 (foto: Steven Zucker, CC BY-NC-SA 2.0)

Miguel Ángel se convirtió en ciudadano romano en 1537, y fue aquí donde estableció su legado como arquitecto. Durante las últimas dos décadas de su larga vida, Miguel Ángel se centró en encargos de arquitectura, esculpiendo solo para sí mismo. Sus principales proyectos incluyeron la renovación de la Colina Capitolina y la supervisión de la construcción de San Pedro (sin pagar no solo por la salvación de su alma, sino también por mantener el control creativo completo). Como cristiano devoto, Miguel Ángel peregrinó a las siete iglesias mártires de Roma durante su vejez. A medida que envejecía, se volvía cada vez más terco, montando a caballo bajo la lluvia, por ejemplo. Poseer caballos se consideraba un esfuerzo aristocrático, un estado por el que el artista se preocupó cada vez más a lo largo de los años. En su biografía de 1553 de Ascanio Condivi escrita con la consulta del artista, Miguel Ángel enfatizó la nobleza de su familia como descendiente de los condes de Canossa.

Miguel Ángel Piedad para Vittoria Colonna, c. 1538–44, tiza negra sobre papel, 28,9 x 18,9 cm (Museo Isabella Stewart Gardner, Boston)

El artista nunca tuvo hijos (afirmó que sus obras de arte eran sus hijos), ni siquiera estudiantes adecuados. En cambio, buscó preparar a su sobrino Lionardo como el único heredero de Buonarotti. Miguel Ángel también estableció muchas grandes amistades como la de Vittoria Colonna, a quien le regaló un devocional Piedad dibujo. Volvió a este tema para su propia tumba conmemorativa, ahora conocida como el Florentino Piedad. Miguel Ángel intentó esculpir cuatro figuras de un bloque de mármol, una tarea casi imposible. Este acto estaba en competencia directa con el famoso antiguo Laocoonte, que, a pesar de la leyenda, el artista descubrió que estaba hecho de varias piezas de piedra. Aquí, María sostiene al Cristo muerto con María Magdalena a la izquierda y Nicodemo detrás de ellos, figuras que fueron testigos de la muerte de Cristo. Miguel Ángel talló su autorretrato en el rostro de Nicodemo, colocándose sobre Cristo en un último deseo de salvación. Al final, esta imagen no adornó su tumba. Sin embargo, continuó tallando casi a diario hasta su muerte en 1564, un espectador describió los golpes con un martillo del ochenta y pico como increíbles.

Miguel Ángel Declaración (El florentino Piedad), C. 1547–55, mármol, 2,26 m de altura (Museo dell & # 8217Opera del Duomo, Florencia, foto: Marie-Lan Nguyen, CC-BY 2.5)

La Academia de Arte Florentina, fundada bajo el liderazgo de Vasari un año antes de la muerte de Miguel Ángel, erigió el mayor monumento funerario para un artista hasta la fecha, nombrándolo el padre de las artes. Artistas de todas las épocas —desde Caravaggio a Bernini, de Reynolds a Rodin, de Picasso a Hockney— consideraron el arte de Miguel Ángel como el fundador de un estilo figurativo nuevo y contundente. Miguel Ángel elevó el estatus del artista más que cualquier otro artista de su tiempo. Valoraba la libertad artística y la expresión personal, haciendo el arte a su manera. Solo con esto en mente, se puede apreciar verdaderamente su visión creativa y su leyenda.

Tumba de Miguel Ángel, Basílica de Santa Croce, Florencia (foto: Walwyn, CC BY-NC 2.0)

  1. Giorgio Vasari, Vidas de los pintores, escultores y arquitectos más eminentes, vol. IX, traducido por Gaston du C. de Vere (Nueva York: Alfred A. Knopf, 1912, p. 4-5).
  2. Ibíd, pág. 25.
  3. James Saslow, trad. La poesía de Miguel Ángel (New Haven: Yale University Press, 1991), pág. 70.

Recursos adicionales:

Vasari y # 8217s Vidas de los pintores, escultores y arquitectos más eminentes en traducción al inglés en Project Gutenberg

Segunda edición de Vasari & # 8217s Vidas de los pintores, escultores y arquitectos más eminentes en italiano en Archive.org

Diseño de Miguel Ángel para la Tumba del Papa Julio II della Rovere en el Museo Metropolitano de Arte

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Francis Ames-Lewis y Paul Joannides, eds. Reacciones al maestro: el efecto de Miguel Ángel en el arte y los artistas del siglo XVI (Aldershot, Inglaterra: Ashgate Publishing, 2003)

Umberto Baldini y Perugi Liberto, La escultura completa de Miguel Ángel (Londres. Thames y Hudson, 1982)

Carmen C Bambach, et. al, eds., Miguel Ángel: dibujante divino y diseñador de amplificadores (Nueva York: Museo Metropolitano de Arte, 2017)

Leonard Barkan, Miguel Ángel: una vida en papel (Princeton: Princeton University Press, 2011)

Bernadine Barnes, Miguel Ángel y el espectador en su tiempo (Londres: Reaction Books, 2017)

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______ , El fauno en el jardín: Miguel Ángel y los orígenes poéticos del arte renacentista italiano (University Park: Pennsylvania State University Press, 1994)

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Los retratos de bronce de Miguel Ángel de Daniele da Volterra

Esta exposición será la primera en mostrar todos los primeros ejemplos de retratos en bronce de Miguel Ángel atribuidos a Daniele da Volterra, explorando la compleja relación entre originales, réplicas y derivaciones.
El problema de la autoría de los retratos en bronce de Miguel Ángel ha molestado durante mucho tiempo a los historiadores del arte: con la excepción del busto de la Casa Buonarroti en Florencia, que permaneció en manos de sus herederos durante siglos, existe una gran incertidumbre en torno a la autoría y la procedencia de la obra. numerosos ejemplares encontrados en diferentes colecciones italianas y extranjeras.

La reciente restauración del ejemplar en la colección de la Galleria dell’Accademia di Firenze permitió identificar el
segundo de los tres originales emitidos por Daniele da Volterra en 1565 y para revisar algunas atribuciones que se consideraban seguras hasta hace unos años.
La exposición ofrecerá una oportunidad única para comparar las obras de cerca y evaluar sus respectivos méritos estéticos y técnicos, en parte a través de una investigación tecnológicamente innovadora mediante el escaneo 3D: la digitalización de las formas y superficies de las obras permitirá crear modelos virtuales. , útil para comparar los volúmenes de las distintas piezas, que podremos yuxtaponer y superponer en pantalla, en busca de posibles moldes o modelos compartidos y distinguir originales de réplicas posteriores.

El objetivo principal de la exposición será producir el primer catálogo científico de los bustos de bronce atribuibles a Daniele da Volterra. El catálogo incluirá la investigación realizada hasta el momento y los resultados de los estudios de diagnóstico, proporcionando una herramienta indispensable para la investigación en esta área y el conocimiento de las técnicas de fundición de bronce de Daniele da Volterra. También esperamos crear un mapa preciso de la "tradición" de los bustos de Miguel Ángel, identificando, en la medida de lo posible, el autor, procedencia y
características de las diferentes reproducciones.
Esta iniciativa altamente científica espera involucrar a los principales expertos en el campo de la escultura y el arte en bronce del siglo XVI, reuniéndolos para una jornada de estudio organizada en relación con la exposición.


Miguel Ángel por Daniele da Volterra

De Daniele da Volterra Retrato de Miguel Ángel (1544) y Busto retrato de Miguel Ángel (1562-64), resaltar la excelencia del artista. De Daniele da Volterra Retrato de Miguel Ángel (1544) es un óleo sobre lienzo que actualmente se encuentra en el Museo Metropolitano de Arte. Inicialmente, esta obra fue considerada como un autorretrato por parte del artista, lo que es un reclamo que persistió hasta bien entrado el siglo XX a pesar de otros como Knapp (1912)., Garnault (1913) y Gaetano Milanesi (1882) sugiriendo que fue desarrollado por Francesco Salviati (1510-1563). Andrea Donati proporciona una fuerte evidencia de que la pintura es una obra de Daniele da Volterra en 1544. Daniele trabajó como aprendiz de Miguel Ángel y emergió como un amigo cercano. Más tarde fue contratado por el Papa Pablo IV para pintar sobre imágenes de desnudos en el famoso fresco "El Juicio Final" en la Capilla Sixtina de Miguel Ángel. Donati afirma que la obra fue incluida en el inventario del artista en el año 1566 (Treves 38)

De Daniele da Volterra Retrato de Miguel Ángel (1544) Se considera como un prototipo para numerosas imágenes, dado que quedó incompleto y otros retratos parecen intentar desarrollar el torso sin pintar. Sus obras se caracterizan por la excelente composición, la vigorosa verdad y la distintiva y curiosa oposición de luces y sombras. Utiliza manierismo y una belleza exagerada en su trabajo. La obra es un excelente ejemplo de distorsión, desequilibrio y neurosis peyorativos y excesivamente elaborados que son inicialmente evidentes en otros seguidores de Miguel Ángel como Daniele da Volterra y otros (Steen 42).

Varias obras de Daniele da Volterra también ilustran el dominio de los estilos manieristas en el desarrollo de obras de arte como Retrato de Miguel Ángel (1544) y Busto retrato de Miguel Ángel (1562-64), que presentan una forma humana alargada y una tensión psicológica distintiva e inquietante. Esencialmente, la visión negativa del término "manierismo" fue desarrollada más tarde por John Shearman a finales del siglo XX, donde yuxtapuso un nombre alternativo, maniera o estilo en inglés que se toma prestado de maniere en la literatura cortesana francesa que se refiere a los modales, debe sustituirse por la capacidad para superar la dificultad y la habilidad. El estilo evolucionó a través de las cortes de la élite en la sociedad italiana y se desarrolló sobre el naturalismo renacentista que engaña y distorsiona con el objetivo de deleitar a la audiencia intelectual y educada (Steen 28).

El busto de Miguel Ángel (1564-66) es una escultura de bronce con pátina negra, sobre pedestal de mármol negro, con una altura de 35 cm, que actualmente se encuentra en el Musée du Louvre, París. Se afirma que hacia el final de la vida creativa del artista, el artista Daniele da Volterra se alejó de la pintura y se dedicó a desarrollar esculturas. Tras la muerte del artista, se descubrieron varias obras de arte en sus instalaciones en Roma, una casa en la que una vez habitó Miguel Ángel. La obra se ha comparado con una escultura de busto de mármol de Battista Lorenzi, que probablemente se basa en un modelo similar de Daniele da Volterra ((Steen 39).

Es evidente a partir de las dos obras que Daniele da Volterra fue influenciado en gran medida por otros artistas como Rafael y Miguel Ángel, dado que estas dos obras presentan a Miguel Ángel como tema. Estas obras fueron objeto de críticas negativas por parte de otras partes que consideraron este movimiento manierista como una distorsión y una destrucción de la belleza que denotaba el alto renacimiento. El alto renacimiento enfatizó los ideales clásicos de belleza, proporcionalidad, armonía y paz. Por otro lado, el estilo manierista fue considerado como demasiado emocional, artificial, eficazmente elegante y con colores vivos aplicados. los Retrato de Miguel Ángel (1544) utiliza colores vivos, elegantes y tiene un contexto emocional profundo como se evidencia por el uso de colores contrastantes. Estas obras son evidencia de los diferentes contextos de belleza y elegancia del arte del alto renacimiento, que se despliega a través de la vívida construcción del tema.

Las dos obras pueden considerarse fácilmente inherentes al estilo artístico de expresión de Daniele da Volterra, lo que las distingue de otras obras del alto renacimiento. El artista es eficaz para demostrar las diferentes posibilidades de utilizar la forma humana en las expresiones artísticas. Además, las dos obras se desarrollan dentro de espacios definidos por colores vivos, lo que las hace relativamente únicas entre sí. Las obras presentan arreglos en posiciones contorsionadas, alargadas y musculosas artificialmente. Además, también es evidente que las posiciones buscan inmortalizar al sujeto principal de estas obras, Miguel Ángel (Steen 47). La desviación de los artistas manieristas de las convenciones tradicionales y los estándares del alto renacimiento, permite a Daniele Da Volterra y otros seguidores de Rafael y Miguel Ángel alcanzar la excelencia y una oportunidad para la expresión individual de interés y capacidad artísticos.

Trabajos citados

Steen, Hansen M. En Michelangelo & # 8217s Mirror: Perino Del Vaga, Daniele Da Volterra, Pellegrino Tibaldi. University Park, Pensilvania: The Pensylvannia State University Press, 2013. Imprimir.

Treves, Letizia. & # 8220Daniele Da Volterra y Miguel Ángel: una relación de colaboración. & # 8221 Apolo. (2001): 36-45. Impresión.


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Miguel Angel

Michelangelo di Lodovico Buonarroti Simoni [1] (6 de marzo de 1475 y 18 de febrero de 1564), comúnmente conocido como Miguel Ángel, fue un pintor, escultor, arquitecto, poeta e ingeniero renacentista italiano. A pesar de hacer pocas incursiones más allá de las artes, su versatilidad en las disciplinas que tomó fue de un orden tan alto que a menudo se lo considera un contendiente por el título de hombre arquetípico del Renacimiento, junto con su rival y compatriota italiano Leonardo da Vinci.

La producción de Miguel Ángel en todos los campos durante su larga vida fue prodigiosa cuando también se tiene en cuenta el gran volumen de correspondencia, bocetos y reminiscencias que sobreviven, es el artista mejor documentado del siglo XVI. Dos de sus obras más conocidas, el Piedad y David, fueron esculpidos antes de cumplir los treinta. A pesar de su baja opinión de la pintura, Miguel Ángel también creó dos de las obras al fresco más influyentes en la historia del arte occidental: las escenas del Génesis en el techo y El Juicio Final en el muro del altar de la Capilla Sixtina de Roma. Como arquitecto, Miguel Ángel fue pionero en el estilo manierista en la Biblioteca Laurentian. A los 74 años sucedió a Antonio da Sangallo el Joven como arquitecto de la Basílica de San Pedro. Miguel Ángel transformó el plan, el extremo occidental se terminó con el diseño de Miguel Ángel, la cúpula se completó después de su muerte con algunas modificaciones.

En una demostración de la posición única de Miguel Ángel, fue el primer artista occidental cuya biografía se publicó mientras estaba vivo. [2] Se publicaron dos biografías de él durante su vida, una de ellas, de Giorgio Vasari, proponía que era el pináculo de todos los logros artísticos desde el comienzo del Renacimiento, un punto de vista que continuó siendo de actualidad en la historia del arte durante siglos. En su vida también fue llamado a menudo Il Divino ("el divino"). [3] Una de las cualidades más admiradas por sus contemporáneos fue su terribilità, a sense of awe-inspiring grandeur, and it was the attempts of subsequent artists to imitate Michelangelo's impassioned and highly personal style that resulted in Mannerism, the next major movement in Western art after the High Renaissance.

Biografía

Vida temprana

Michelangelo was born on March 6, 1475 [a] in Caprese near Arezzo, Tuscany. [ 4 ] His family had for several generations been small-scale bankers in Florence but his father, Lodovico di Leonardo di Buonarroti di Simoni, failed to maintain the bank's financial status, and held occasional government positions. [ 2 ] At the time of Michelangelo's birth, his father was the Judicial administrator of the small town of Caprese and local administrator of Chiusi. Michelangelo's mother was Francesca di Neri del Miniato di Siena. [ 5 ] The Buonarrotis claimed to descend from the Countess Mathilde of Canossa this claim remains unproven, but Michelangelo himself believed it. [ 6 ] Several months after Michelangelo's birth the family returned to Florence where Michelangelo was raised. At later times, during the prolonged illness and after the death of his mother when he was seven years old, Michelangelo lived with a stonecutter and his wife and family in the town of Settignano where his father owned a marble quarry and a small farm. [ 5 ] Giorgio Vasari quotes Michelangelo as saying, "If there is some good in me, it is because I was born in the subtle atmosphere of your country of Arezzo. Along with the milk of my nurse I received the knack of handling chisel and hammer, with which I make my figures." [4]

Michelangelo's father sent him to study grammar with the Humanist Francesco da Urbino in Florence as a young boy. [ 4 ] [ 7 ] [b] The young artist, however, showed no interest in his schooling, preferring to copy paintings from churches and seek the company of painters. [ 7 ] At thirteen, Michelangelo was apprenticed to the painter Domenico Ghirlandaio. [ 1 ] [ 8 ] When Michelangelo was only fourteen, his father persuaded Ghirlandaio to pay his apprentice as an artist, which was highly unusual at the time. [ 9 ] When in 1489 Lorenzo de' Medici, de facto ruler of Florence, asked Ghirlandaio for his two best pupils, Ghirlandaio sent Michelangelo and Francesco Granacci. [ 10 ] From 1490 to 1492, Michelangelo attended the Humanist academy which the Medici had founded along Neo Platonic lines. Michelangelo studied sculpture under Bertoldo di Giovanni. At the academy, both Michelangelo's outlook and his art were subject to the influence of many of the most prominent philosophers and writers of the day including Marsilio Ficino, Pico della Mirandola and Angelo Poliziano . [ 11 ] At this time Michelangelo sculpted the reliefs Madonna of the Steps (1490�) and Battle of the Centaurs (1491�). The latter was based on a theme suggested by Poliziano and was commissioned by Lorenzo de Medici . [ 12 ]

Early adulthood

Lorenzo de' Medici's death on April 8, 1492, brought a reversal of Michelangelo's circumstances. [ 13 ] Michelangelo left the security of the Medici court and returned to his father's house. In the following months he carved a wooden crucifix (1493), as a gift to the prior of the Florentine church of Santo Spirito , who had permitted him some studies of anatomy on the corpses of the church's hospital. [ 14 ] Between 1493 and 1494 he bought a block of marble for a larger than life statue of Hercules, which was sent to France and subsequently disappeared sometime circa 1700s. [ 12 ] [c] On January 20, 1494, after heavy snowfalls, Lorenzo's heir, Piero de Medici commissioned a snow statue, and Michelangelo again entered the court of the Medici.

In the same year, the Medici were expelled from Florence as the result of the rise of Savonarola . Michelangelo left the city before the end of the political upheaval, moving to Venice and then to Bologna. [ 13 ] In Bologna he was commissioned to finish the carving of the last small figures of the Shrine of St. Dominic, in the church dedicated to that saint. Towards the end 1494, the political situation in Florence was calmer. The city, previously under threat from the French, was no longer in danger as Charles VIII had suffered defeats. Michelangelo returned to Florence but received no commissions from the new city government under Savonarola. He returned to the employment of the Medici. [ 15 ] During the half year he spent in Florence he worked on two small statues, a child St. John the Baptist and a sleeping Cupido. According to Condivi, Lorenzo di Pierfrancesco de' Medici , for whom Michelangelo had sculpted St. John the Baptist, asked that Michelangelo "fix it so that it looked as if it had been buried" so he could "send it to Rome…pass [it off as] an ancient work and…sell it much better." Both Lorenzo and Michelangelo were unwittingly cheated out of the real value of the piece by a middleman. Cardinal Raffaele Riario, to whom Lorenzo had sold it, discovered that it was a fraud, but was so impressed by the quality of the sculpture that he invited the artist to Rome. [ 16 ] [d] This apparent success in selling his sculpture abroad as well as the conservative Florentine situation may have encouraged Michelangelo to accept the prelate's invitation. [ 15 ]

Michelangelo arrived in Rome June 25, 1496 [ 17 ] at the age of 21. On July 4 of the same year, he began work on a commission for Cardinal Raffaele Riario, an over-life-size statue of the Roman wine god, Baco. However, upon completion, the work was rejected by the cardinal, and subsequently entered the collection of the banker Jacopo Galli, for his garden.

In November of 1497, the French ambassador in the Holy See commissioned one of his most famous works, the Piedad and the contract was agreed upon in August of the following year. The contemporary opinion about this work — "a revelation of all the potentialities and force of the art of sculpture" — was summarized by Vasari: "It is certainly a miracle that a formless block of stone could ever have been reduced to a perfection that nature is scarcely able to create in the flesh."

In Rome, Michelangelo lived near the church of Santa Maria di Loreto . Here, according to the legend, he fell in love with Vittoria Colonna, marquise of Pescara and a poet. [cita necesaria] His house was demolished in 1874, and the remaining architectural elements saved by the new proprietors were destroyed in 1930. Today a modern reconstruction of Michelangelo's house can be seen on the Gianicolo hill. It is also during this period that skeptics allege Michelangelo executed the scultpure Laocoön and His Sons which resides in the Vatican [ 18 ] .


Daniele da Volterra in the wake of Michelangelo

There are artists who, despite their potential, have always lived in the shadow de un gran Maestro.

This is the case of Daniele da Volterra (born Daniele Ricciarelli), a friend even before a “pupil” of Miguel Angel.

Too little is always known about his figure and most of the time he is simply known in spite of himself, as the Braghettone, or as the artist who covered with his “breeches” the nudes of Michelangelo’s Last Judgment in the Sistine Chapel.

Walking, however, in the center of Roma, we can enter a church, located in a breathtaking place, it is the Church of the Trinita Dei Monti (on the top of Piazza di Spagna, so to speak).

Inside, two chapels show us what Daniele da Volterra was capable of, with an unmistakable reference to Michelangelo.

In the year of the unveiling of the Last Judgment (1541), Elena Orsini, entrusted Daniele with the task of frescoing her noble chapel, with a cycle depicting the stories of Saint Helena (lost) and an altarpiece with the Deposition of Christ, still visible today, considered among the masterpieces of mannerism, copied by many artists in the following years.

The figures of the many characters present in the Deposition appear modeled with almost geometric and sculptural rigor which inevitably reveal the study of what Michelangelo did.

The choice of the asymmetrical cut, the cross is not in the center, gives great prominence to the gestures of the characters hoisted on the stairs and in the act of reaching out their arms towards the fulcrum of the representation.

Between 1548-1553, Daniele also realizes in Trinità dei Monti, with the help of aids, the decoration of the Cappella della Rovere (right aisle), with an evocative Asunción de la virgen in which you can see a portrait of Michelangelo in the of an apostle pointing to the Virgin, and laterally the scenes of the Massacre of the Innocents y el Presentation of Mary in the Temple.

When Michelangelo fell ill in 1564, Daniele was next to him, and the day following the death of the great master Daniele was with Tommaso de Cavalieri drawing up the inventory of the objects present in the residence in Via Macel de Corvi in ​​Rome.

To Daniele, Michelangelo’s nephew gave the task of drawing a portrait of the famous master from the funeral mask.

“… I find myself so troubled to be deprived of so much advice and sweetness at the same time.

Of course I thought I must grieve the death of such a master and father very much, but never so much, as he does … “(Vasari, Le Vite)

All rights reserved*

Ci sono artisti che, nonostante il loro potenziale, hanno vissuto sempre nell’ombra di un grande maestro.

E’ il caso di Daniele da Volterra (nato Daniele Ricciarelli), amico prima ancor che “allievo” di Miguel Angel.

Si conosce sempre troppo poco della sua figura ed il più delle volte è semplicemente noto, suo malgrado, come il Braghettone, ovvero come l’artista che ricoprì con le “braghe” i nudi del Giudizio Universale di Michelangelo in Cappella Sistina.

Camminando, però, in pieno centro a Roma possiamo entrare in una chiesa, situata in un luogo mozzafiato, è la Chiesa della Trinita dei Monti (sulla sommità di Piazza di Spagna, per intenderci).

Al suo interno, due cappelle ci mostrano ciò di cui è stato capace Daniele da Volterra, con un inconfondibile richiamo a Michelangelo.

Nell’anno dello scoprimento del Giudizio Universale (1541), Elena Orsini affida a Daniele l’incarico di affrescare la sua cappella gentilizia.

La richiesta era di un ciclo raffigurante le storie di Sant’Elena (andato perduto) e di una pala con la Deposizione di Cristo dalla Croce, tutt’ora visibile, considerata tra i capolavori del manierismo e copiata da tantissimi artisti negli anni a seguire.

Le figure dei tanti personaggi presenti nella Deposizione appaiono modellate con rigore quasi geometrizzante e scultoreo che rivelano inevitabilmente lo studio di quanto fatto da Michelangelo.

La scelta del taglio asimmetrico, la croce non è al centro, conferisce grande risalto alla gestualità dei personaggi issati sulle scale e in atto di protendere le braccia verso il fulcro della rappresentazione.

Tra il 1548-1553, Daniele realizza sempre in Trinità dei Monti, con l’intervento di aiuti, la decorazione della Cappella della Rovere (navata destra).

Al suo interno una suggestiva Assunzione della Vergine in cui si nota nella parte inferiore, un ritratto di Michelangelo nelle vesti di un apostolo che indica la Vergine e lateralmente le scene della Strage degli innocenti e la Presentazione al Tempio di Maria.

Quando nel 1564 Michelangelo si ammalò, Daniele gli era accanto.

Il giorno seguente la morte del grande maestro Daniele era con Tommaso de Cavalieri alla stesura dell’inventario degli oggetti presenti nella dimora di via Macel de Corvi a Roma.

A Daniele il nipote di Michelangelo diede l’incarico di trarre dalla maschera funebre un ritratto del celebre maestro.

“…mi trovo sì tribulato per esser privo di tanto consiglio e dolceza insieme. Certo ch’io giudicavo dovermi dolere molto la morte d’un tanto padrone e padre, ma non mai tanto, come fa…” (Vasari)

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Michelangelo Becomes Renowned as a Painter

In 1508, Michelangelo was commissioned to paint the ceiling of the Sistine Chapel. It has been said that this was originally a plot devised by Rome’s artistic community to bring Michelangelo down, as they felt threatened by his rapid rise. They reasoned that Michelangelo would inevitably fail, as he had no experience in painting frescoes. Even if he did succeed, the commission should put him out of competition for some time, which would help them increase their own work.

The artist initially refused, as he insisted that he was a sculptor, not a painter. The Pope’s insistence, however, prevailed, and Michelangelo finally agreed to undertake the monumental task. This was a challenging piece of work, as Michelangelo was required to paint constantly whilst lying on his back on top of a scaffold that brought him within inches of the ceiling.

Beyond his rivals’ expectations, Michelangelo overcame these obstacles and completed his masterpiece after a short four years. Michelangelo fired all his assistants, as he deemed them incompetent, and completed this piece of artwork on his own.

The ceiling of the Sistine Chapel (1508-1512) by Michelangelo. ( CC BY SA 3.0 )

It has been said that the original plan was to depict the 12 apostles, though the ceiling of this sacred space ended up with over 300 figures. 12 figures (seven prophets and five sibyls) were painted around the border of the ceiling, which was then filled with scenes from Genesis. One of the most iconic of these scenes is the ‘ Creation of Adam .’

Detail of the ‘Creation of Adam’ by Michelangelo. ( Dominio publico )

The physical rigor of this work took its toll on Michelangelo. Though he continued to paint and sculpt, Michelangelo became increasingly involved in architectural projects as well, and was eventually appointed as the chief architect of St. Peter’s Basilica in 1546.


Preguntas frecuentes

What Is the Value of the Piedad?

El original Piedad is valued at a whopping $300 million.

How Old Was Michelangelo When he Died?

Michelangelo was 88 year’s old when he died in the year 1564.

What Was Michelangelo’s Least Favorite Art Piece?

Michelangelo hated painting and it is known that he hated painting the Sistine Chapel.

Is the Piedad Biblical?

los Piedad is one of many portrayals of the biblical scene that depicts a heartbroken Virgin Mary.

What Does the Piedad Represent?

los Piedad represents compassion or pity, and it has been a popular subject among many Northern European artists.

Did Leonardo da Vinci and Michelangelo Know Each Other?

Yes, they had met, and this story is told in an anonymous Codice Magliabecchiano manuscript.


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Comentarios:

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